世界艺术博物馆大师名作Ⅰ（1000幅大师名作带你走进世界艺术博物馆！）_科妮莉亚·桑塔格编，凤凰空间出品_9787553793214

本书从13世纪开始，直至20世纪，以时间的顺序，以图片形式为主，进行编排。收纳了1000张极具代表性的大师名作。本书简要介绍了油画、水彩、素描等多种艺术形式，按年代顺序，分章节介绍了本时期具有代表性的艺术流派、知名艺术家及其代表画作，并穿插有重点介绍多位艺术家创作及生活背后的故事。

书中展示了世界公共博物馆中不同时期、不同风格、不同艺术家的伟大作品。这确实证明，在快速变化的世界里，绘画艺术继续拥有着经久不衰的感染力。画坛还会再涌现大师佳作么？这问题很难回答。本书收录的作品，证明画家本身也是绘画成功的重要组成部分。显然，当画家站在巨人的肩膀上，对昔日的艺术作出回应的时候或崇敬、或反叛，他就成功了。这世界也许正等待着出现下一位伟大的画家，他应该像拉斐尔、伦勃朗、毕加索那样既熟知过去的艺术，也拥有智慧、信仰和绝妙的技法，能够创造出崭新的、卓越的绘画作品。如果未来的画家创作的作品仅仅是讽刺式的调侃，或转瞬即逝的形式主义，或鄙视、无视全部的艺术史，那么绘画艺术就没有希望了。本书所精选的画作也通过历史来展望艺术未来的发展。

总论

16世纪的意大利作家兼画家乔尔乔· 瓦萨里（Giorgio Vasari）曾说，人类历史上黑暗时期的结束，是上帝对人类的同情和绘画改革的结果。1550年，瓦萨里在《艺苑名人传》中写道：14世纪早期，诸如乔托·迪·邦多纳（Giotto di Bondone）这样的托斯卡纳画家，其画作中奇迹般的自然主义，终结了此前占据画坛统治地位的僵化、正式、非自然的拜占庭风格。自然主义恰似神来之物。今天，我们认识到绘画领域的这种变革并非偶然发生也非上帝恩赐。干脆有力的叙事，令人信服的空间表现，体态真实的人物表达，绘画艺术的方方面面都与欧洲文化变革相呼应。这样的欧洲文化变革从14世纪开始便占据着主导地位，而且在意大利表现得最为突出。在这场社会大变革中，商人、手工业者和银行家的社会地位不断提升，鉴于此，画家自然也相应地满足他们对艺术上日趋明确的、自然主义的表现要求。不管是佛罗伦萨画派艺术家乔托里程碑似的画作，还是锡耶纳画派画家杜乔·迪·博尼塞尼亚（Duccio di Buoninsegna）风格典雅、笔触精致的自然主义绘画，都只是更为波澜壮阔的文化运动的一部分而已：但丁、彼特拉克和薄伽丘等哲人用意大利语写就的直指人心的名作，马可·波罗生动活泼的旅行探险，还有日益成熟的唯名论哲学激发了现实的、明确的、感知的认识，以及阿西西的圣方济各的宗教贡献，他主张上帝并不存在于概念和言语之中，而存在于鸟鸣、日光和月晕之间。

绘画艺术的曙光出现在14世纪，并在15世纪迸发出更加绚烂耀眼的光芒。画家不断地以全新的历史观，重新审视中世纪之前的古希腊及古罗马的古典文明时代。意大利人几乎是带着膜拜来欣赏古希腊与古罗马，膜拜他们的智慧和悟性，崇拜他们的艺术成就和学术辉煌。新型知识分子人文主义者，为15世纪的文化变革添加薪火。人文主义者精通古典文学，并且培育了人文主义新思潮：坚信深入研究大自然的价值和人类的潜能，认为世俗道德是对基督教信条的必要补充。尤其是，这批人文主义者推崇一种理念：古代文明乃文化之顶峰，他们应该与古希腊、古罗马的作家和艺术家实现对话。这场对话的结果催生了文艺复兴，即古希腊与古罗马的文化复兴。马萨乔（Masaccio）和皮耶罗·德拉·弗朗西斯卡（Piero dell Francesca）的木板油画、布面油画和壁画，抓住了古罗马雕像的精髓。艺术家们力求将画中人物融入现实世界。例如，文艺复兴时期的透视关系遵从单一灭点透视法，加之精确的水平线，这样一来，画面就形成了前所未有的空间协调关系。意大利北方的奇才安德列·曼泰尼亚（Andrea Mantegna），更是直接受惠于古代艺术。曼特尼亚对古代的服饰、建筑、人物姿态与碑文都进行了考古式的研究，经过细致的不懈努力，令当时的所有画家都对消逝的古希腊和古罗马文明焕发出一种新的激倩。桑德罗·波提切利（Sandro Botticelli）的绘画唤醒了沉睡在哥特艺术晚期的梦幻精神，借用诸如维纳斯、丘比特和宁芙女神等古典题材，深深吸引着被人文主义所感染的15世纪的观众。

我们最好是把文艺复兴看成是一系列文化变革，而非单一的文化运动。检阅文艺复兴鼎盛时期杰出画家的艺术，这种提法自然不言而喻。瓦萨里认为，这批大师都极力创作出超越大自然的艺术。他们都是理想主义者，他们的作品是对现实的升华而不是模仿，是经缜密思考的暗示，而非面面倶到的写实。我们可以在这些画家身上找到代表着那个时代文化理想中不同思想的具体形象。列奥纳多·达·芬奇（Leonardo da Vinci）既是画家，也是科学家。他将人体解剖、植物形态、地理知识和心理学理论的科学研究成果融入到艺术中来。雕塑家米开朗基罗·博那罗蒂（Michelangelo Buonarroti）后来转向绘画，用绘画表达他深刻的神学与哲学信仰，尤其是他的新柏拉图主义观念论。他塑造的英雄人物肌肉发达，形象高大，而且极具张力，完全不同于达·芬奇那种优雅、微笑、柔软的人物造型。乌尔比诺城的拉斐尔（Raphael）最初是朝廷侍臣，他的画面洋溢着文艺复兴时期宫廷生活的优雅迷人与精致魅力。乔尔乔内（Giorgione）和提香（Titian）都是威尼斯画派的大师，他们用明快的色彩与写意的笔触，描绘了生活的奢华，最佳的主题即是富丽的风景和高贵的女人体。所有16世纪的画家都试图在自然的基础上进行升华，创作出比大自然本身更伟大或者更美的作品。提香的格言：艺术比自然更伟大，应该是16世纪所有画家奉行的哲理。

意大利文艺复兴时期画家的成就之一在于证明了他们的聪明才智。艺术家不仅仅是画匠，而是能够和同时代的思想家们平起平坐的智者。有的艺术家在某个领域自己就是执牛耳者，例如莱昂·巴蒂斯塔·阿尔贝蒂（Leon Battista Alberti）、达·芬奇和米开朗基罗。绘画这样的行当在文艺复兴时期的意大利得到了急速的地位提升。例如，米开朗基罗就被看成是空前伟大的全才型艺术家和伟大的原创者，而那个时代的人也对画家涌现出一股狂热的崇拜之情。1435年，阿尔贝蒂鼓励画家们与从事文学和数学研究的学者们多交往，这一方法获得了成功。目前大学课程中有关室内艺术的内容，就源自于意大利文艺复兴时期兴起的有关绘画变革的新观念。到了16世纪，整个亚平宁半岛的艺术资助人，不仅仅是委托画家承担某项特殊的绘画工作，而且还很热衷于收藏任何伟大艺术家的任何作品：不论什么作品，不论什么题材，得到一幅拉斐尔一幅米开朗基罗，或是一幅提香，本身就是资助人追求的目标。

当意大利文艺复兴画家精心经营画面的空间位置、塑造理想的人物造型的时候，北欧画家则在关注现实生活、视觉感受以及世俗生活的丰富多彩。在对物体的细致观察方面，没有哪位画家能超越尼德兰画家扬·凡·艾克（Jan van Eyck），也没有人曾像他一样，捕捉并清晰诗意地描绘珍珠的光泽、红色布料让人印象深刻的颜色或是玻璃和金属上的反光。科学的观察是写实主义的一种形式，而写实主义的另一种表现形式，则是津津有味地描绘出圣徒们的人体结构和耶稣在十字架上受难的解剖细节。这是一个流行宗教剧的时代，演员们装扮成圣经中的人物，在教堂和街道上表演耶稣受难和死亡的情节。绝非偶然的是，也正是在这个时期，诸如尼德兰人罗希尔·凡·德尔·韦登（Rogier van der Weyden）和德国人马蒂亚斯·格吕内瓦尔德（Matthias Grnewald）等绘画大师们，有时会以极度清晰的笔触描绘伤口、血液和十字架上耶稣痛苦的表情。北方的大师们利用娴熟的油画技术进行绘画探索，在15世纪后期意大利人掌握此法之前，他们的技法一直处于欧洲艺术的领先地位。

文艺复兴时期融会南北艺术的是纽伦堡的阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Drer）。一方面，丢勒坚持表现明确有力的线条刻画和日耳曼艺术中盛行的情感色彩，另一方面，他又仿效意大利人的偏好，重视人体结构和透视效果。丢勒与很多意大利理想主义者一样，在艺术作品中表达了一种乐观态度，相比之下，其他许多北方画家则对人类生存状况持悲观情绪。米兰多拉的乔瓦尼· 皮科（Giovanni Pico）在其论文《论人的尊严》中，预感到米开朗基罗所信奉的人类肉体与灵魂具有无比的完美性和本质美。就他们而言，伊拉斯谟（Erasmus）的《愚人颂》和塞巴斯蒂安· 布兰特（Sebastian Brant）的讽刺诗《愚人船》，都是欧洲北方文化环境中的产物。这一环境诞生了希罗尼穆斯·博斯（Hieronymus Bosch）的三联画《尘世乐园》，其中所展现的愚人形象，以及彼得·勃鲁盖尔（Pieter Brueghel）笔下粗鄙的农村场景。对人类来说，天堂中自有希望，而尘世间少有慰藉。像意大利人那样，北方的人文主义者同样渴望自我节制、谨言慎行及和谐的古典美德，但勃鲁盖尔的画面却恰好表现了极端的堕落。当时有些天主教徒从荷兰旅行来到意大利，接受米开朗基罗和其他艺术家的启蒙。但是，1550年左右来到罗马的勃鲁盖尔，却基本上未受到罗马宗教艺术的影响。他从本地生活中寻找灵感，并且把画作场景设置在农庄之中，因此给自己赢得了农民的勃鲁盖尔这个不恰当的名号。他是现实主义的先驱，是北欧巴洛克风格的率真表现。

16世纪，由神学家马丁·路德（Martin Luther）和约翰·加尔文（John Calvin）领导的大规模宗教改革运动，迫使罗马天主教会寻求变革来应对新教徒的挑战。当时，很多教会理事会呼吁对罗马天主教进行改革。在艺术方面，特伦托会议的参与者主张，艺术应当简洁明朗，应当接近广大民众。但是，一些意大利画家，也就是我们所谓的风格主义画家，却依旧进行着题材风格繁复的艺术创作。后来，画家们最终转向响应教会的要求，而且自己也日渐厌倦程式化的风格主义。我们称这个由卡拉瓦乔（Caravaggio）创始的新时代为巴洛克时期。卡拉瓦乔着力描绘眼前所见之物，一旦有可能，就会采用非常暗的色调和极度夸张的方式进行最为写实的处理。他得到了普罗大众、鉴赏家以及教会神职人员的追捧。虽然这些神职人员起初还对他以现实手法表现圣经题材的做法表示过怀疑。卡拉瓦乔的风格在整个意大利传播开来，接着又影响到欧洲的其他地方。一大批画家开始模仿并吸收卡拉瓦乔的明暗对比法，学习控制色彩纯度的技巧。卡拉瓦乔绘画中质朴真诚的人物形象，在厌倦了16世纪矫揉造作之风的欧洲受众中引发了共鸣。

除了巴洛克早期的卡拉瓦乔风格之外，稍后还出现了另一种绘画表现形式，我们称这个时期为巴洛克鼎盛时期。最引人注目的、最充满活力的、最富有绘画效果的风格在此阶段勃发生机。许多画家在16世纪威尼斯画派的基础上进一步发展。彼得·保罗·鲁本斯（Peter Paul Rubens）提香的崇拜者，在大尺寸的画布上展示了肉感的人物、富丽的风景、快疾的笔触及闪烁的明暗。他在绘画上的尝试也影响了同胞雅各布·约尔丹斯（Jacob Jordaens）和安东尼·凡·戴克（Anthony van Dyck）。由于安东尼·凡·戴克具有突出的肖像画技巧，他在欧洲上层社会中拥有大批追随者。鲁本斯在画布上描绘古代男女众神和人形的海洋生物，把人重新带回古典时期，但他的风格绝不仅仅是古典的。鲁本斯在欧洲贵族中找到了自己作品的市场，因为贵族们喜欢他非凡的谈吐，他也得到了教会资助人的青睐，因为宗教人士认为他外显的圣经场景是反宗教改革理论的有力武器。在罗马，雕塑家贝尔尼尼（Bernini）的情况与鲁本斯极为相似。天主教会利用这两位出类拔萃的艺术家信徒，展示天主教会和罗马教廷的权力与威严。意大利巴洛克画家们，在罗马等诸多城市教堂的穹顶上恣意绘制数目繁多的宗教人物画像，画面的天空部分开始描述天堂的场景，还有一些描述上帝接引天主教徒中的殉教者和被传授教义者。西班牙画家委拉斯开兹（Velásquez）、牟利罗（Murillo）和苏巴朗（Zurburán），在西班牙本土同样采用了这种风格，虽然人物身体姿态更为平和，笔触更为紧凑，但是他们与意大利巴洛克画家一样，用光线营造了一种神秘感，题材上也采用了同样的天主教的传统意象。

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